Heartbreakers, el cortometraje latinoamericano hecho con IA: conoce a Valeria

Lo primero que notas: actúan

Antes de hablar de lentes, lo que se nota en los primeros veinte segundos de Heartbreakers es que sus personajes actúan. Valeria no posa ni recita: se le quiebra la voz a media frase, aprieta la mandíbula y respira antes de atacar. La androide sonríe medio segundo de más, y eso basta para que dé miedo. Julián recibe el golpe y no sabe a quién mirar. Ninguna de esas personas existe: los rostros, los cuerpos y las voces se diseñaron en el estudio.

Las voces son de actor, no de locutor. Cada personaje tiene una ficha de voz —edad, timbre, ritmo, de dónde es— y su voz se diseñó a partir de esa descripción con Seed Audio, sin clonar a ninguna persona real. Esa voz viaja al modelo de video como un plate, un video en negro con la voz corriendo, para que Valeria suene igual en la clínica, en el coche y en el comedor.

El clip de arriba es la escena que abre el corto, tal como está en el corte final. Este es el primer capítulo de un diario de producción en cinco entregas que cuenta cómo se hizo, hasta llegar a la muestra completa. Empezamos por el centro de la historia, su protagonista, y por la decisión técnica que define cómo se ve la película: el lenguaje anamórfico.

Ficha técnica de Heartbreakers

Sinopsis

Tras un accidente de auto, Valeria pierde la memoria cuando está embarazada de siete meses. Pasan los años. Una tarde, en el comedor de su propia casa, los recuerdos regresan, y con ellos una certeza insoportable: mientras ella no estaba, otra mujer con su misma cara ocupó su lugar en la mesa, en la vida de su esposo y en la de su hijo.

Logline: una mujer recupera la memoria años después de un accidente y descubre que su esposo la sustituyó por una androide con su cara. Heartbreakers es una historia sobre el amor que se niega a esperar y sobre lo que estamos dispuestos a reemplazar con tal de no perder a alguien.

Valeria, la protagonista

Valeria es el corazón de Heartbreakers. La película la cuenta en tres tiempos, y cada uno tiene su propio vestuario, su propia luz y su propia forma de moverse:

• 01Antes del accidente. Una mujer que se ríe, que pelea por la música del coche y que lleva la mano de su esposo a su vientre cuando el bebé patea.
• 02Los años perdidos. Una paciente sin recuerdos, en una clínica de luz gris. Mira a su esposo como se mira a un extraño amable y le hace la pregunta más dura de la película: «¿Tú eres su papá?».
• 03Hoy. Una mujer que despierta en una vida que ya no le pertenece. Suéter terracota, cabello recogido, sin argolla. Su rabia es humana, torpe y real: «¡Secuestraste mi vida! ¡Esta es mi vida!».

Frente a ella está la androide: el mismo rostro, el cabello suelto, la blusa clara y una serenidad perfecta. Construir dos personajes con la misma cara, y que el público los distinga en cada plano, fue uno de los retos centrales del proyecto. Lo resolvimos con señales que se repiten durante toda la película: el peinado, el color del vestuario, la argolla y la manera de respirar. Ese proceso es la próxima entrega.

Cómo se construyó a Valeria

• 01Un rostro fijo: el lock. Cada personaje nace de una sola imagen aprobada que funciona como su documento de identidad. Todas las variantes salen de ella —Valeria en el hospital, la noche del choque, hoy— y nunca de otra variante, para que la cara no se vaya alejando.
• 02Una hoja de personaje. Rostro, cuerpo completo y espalda sobre fondo gris: la referencia que el modelo de video recibe en cada escena.
• 03Una voz propia. Diseñada por descripción y entregada como plate, para que suene igual en todas las escenas. Ninguna voz del corto imita a una persona real.
• 04Contención. La regla de actuación del proyecto es que la emoción viva en la quietud, la mirada y la respiración. Nada de gestos de telenovela: la rabia de Valeria es breve y torpe, y la calma de la androide es lo que da miedo.

Escenas clave

1. El golpe (apertura)

La película abre con una bofetada. Julián recupera el equilibrio frente al ventanal, con las torres de Santa Fe al fondo, y la cámara corta al rostro de Valeria. En la cabecera de la mesa, la androide observa. Es la escena que presenta el triángulo en veinte segundos, y es el clip que abre esta entrega.

2. La noche del accidente

Un recuerdo. Una avenida de noche, el reproductor del auto, una mano sobre el vientre. Es la única secuencia con estética neo-noir: luz de sodio ámbar contra sombras verde azuladas y el bokeh de la ciudad estirado en óvalos.

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3. El reclamo

La memoria regresa y Valeria cruza el comedor hasta su esposo: «¿Dónde está mi hijo?». Es la escena con más energía física del corto y la que dispara el tercer acto, que por ahora no vamos a contar.

El lenguaje de cámara: por qué anamórfico

Qué es un look anamórfico

Un lente anamórfico comprime la imagen a lo ancho al momento de grabar; en nuestro caso, al doble (2x squeeze). En postproducción la imagen se descomprime y el resultado es un cuadro muy panorámico, de relación 2.39:1, el formato clásico de la pantalla de cine. Además del formato, esos lentes dejan una huella que el público asocia con el cine aunque no sepa nombrarla:

• 01Bokeh ovalado. Las luces fuera de foco se ven como óvalos verticales, no como círculos.
• 02Destellos horizontales. Una fuente de luz directa deja una línea que cruza el cuadro. Los limitamos a destellos ámbar sutiles y prohibimos las rayas azules, que se ven artificiales.
• 03Caída en los bordes. Una ligera pérdida de nitidez y de luz hacia las orillas que guía la mirada al centro.
• 04Una perspectiva más ancha a igual encuadre. Permite tener a dos o tres personajes en el mismo plano con aire entre ellos.

En un drama íntimo, ese ancho sirve para separar a las personas: casi siempre hay un hueco entre Valeria, Julián y la androide. El espacio negativo también cuenta la historia.

El paquete de lentes en los prompts

La IA no tiene cámara, pero entiende cómo se describe una. Para que todos los planos del corto se puedan cortar entre sí, cada prompt de video lleva el mismo paquete óptico, palabra por palabra:

Project lens package, identical in every clip so all shots intercut:
large-format ARRI Alexa Mini LF sensor with 2x-squeeze anamorphic primes,
2.39:1 widescreen, Kodak Vision3 250D film emulation, fine 35mm grain,
gentle highlight roll-off; oval bokeh, a slight anamorphic falloff at the
frame edges, and only subtle warm amber horizontal flares from direct
light sources — never blue streaks.

Las focales como ángulos de visión

Un detalle técnico que nos funcionó: los modelos de video interpretan los milímetros de forma poco consistente, sobre todo con lentes anamórficos. Por eso cada focal se escribe junto con su campo de visión horizontal:

También fijamos reglas de cámara: nada de zoom, ningún cambio de focal dentro de un plano y nada de cámara en mano. Cámara fija o dolly lento y composiciones planimétricas y simétricas, para que incluso la pelea se vea compuesta.

Los recuerdos, en otro formato

Algunos momentos se enmarcan en 4:3 dentro del cuadro 2.39:1, con barras a los lados. Es un formato más estrecho y antiguo que se siente como recuerdo o como encierro, y le avisa al público que algo cambió sin necesidad de un letrero.

Uniones por la mirada

Las escenas se unen con cortes por coincidencia (match cuts): un extremo primer plano de los ojos de Julián en el presente corta a los mismos ojos años atrás. Y hay vistas de Dios, planos cenitales fijos desde una esquina alta, que se repiten como rima: en la clínica y en el cruce del accidente.

Un look de color para cada tiempo

Cada tiempo de la historia tiene su propio look, descrito en el prompt con la temperatura de color en grados Kelvin y una regla de proporciones 60/30/10: 60 % del cuadro en el color dominante, 30 % en el secundario y 10 % en un solo acento.

La idea es que el público sepa en qué tiempo está solo por el color, antes de entender la escena.

Cómo lo hacemos: el método de ZerezoFilms AI Studio

Así es el flujo de trabajo de Heartbreakers, de la página a la pantalla:

• 01Guion literario. Un guion máster en formato de cine, con escenas, acotaciones y diálogos.
• 02Desglose en bloques. Cada escena se divide en clips de 15 segundos o menos: escenas maestras de 3 a 5 planos con el diálogo y microescenas de 6 a 8 segundos que unen dos maestras con un detalle (unas manos, unos ojos, un objeto).
• 03Casting sintético. Rostros 100 % generados, con un lock aprobado por personaje y hojas en gris para cada vestuario y estado. Para esta etapa usamos generadores de imagen como Midjourney, Nano Banana Pro, Seedream y GPT Image.
• 04Locaciones y props, cada uno por separado. La casa, la clínica, la calle del accidente, la caja, las fotos de la sala: cada elemento tiene su propia imagen de referencia y nunca se mezcla con otro.
• 05Geografía con mapas de colores. Antes de generar cada clip dibujamos un top view, un plano visto desde arriba con un color por personaje, para fijar quién está dónde y hacia dónde mira.
• 06Voces de actor, no de locutor. Cada personaje tiene su ficha de voz y su plate, diseñados con Seed Audio sin clonar a nadie.
• 07Video con Seedance 2.5, a partir de elementos. No partimos de un primer cuadro fijo: el modelo recibe los personajes, la locación, el mapa y las voces, junto con un prompt dividido en bloques (contexto, formato, óptica, luz, color, sonido y candados de continuidad).
• 08Sonido sin música en la generación. Solo voces, ambiente y efectos. La música, si la hay, se decide en el montaje.
• 09Revisión cuadro por cuadro. Identidad, vestuario, geografía, manos y ritmo. Cuando falla un detalle se combinan tomas antes de regenerar.
• 10Montaje, color y subtítulos en postproducción, para la versión en español y la versión con subtítulos en inglés.

Lo que buscamos con Heartbreakers es demostrar que la inteligencia artificial sirve para hacer cine de autor y no solo efectos llamativos: con dirección, puesta en cámara, actuación contenida y continuidad, hecho en México y pensado para el mundo.

Lo que viene en este diario

• 01Entrega 02 · Julián y la androide. Cómo se crea un rostro idéntico que el público pueda distinguir, y cómo se diseñan las voces.
• 02Entrega 03 · La casa. Arquitectura, luz de Santa Fe y mapas de geografía.
• 03Entrega 04 · La noche del accidente. Cómo se dirige una secuencia de acción con IA.
• 04Entrega 05 · La muestra. El cortometraje completo y lo que aprendimos.

Sobre ZerezoFilms AI Studio

ZerezoFilms es una casa productora audiovisual de la Ciudad de México que hace cine, series, comerciales y contenido digital, con producción tradicional y con inteligencia artificial. Heartbreakers es una producción original de ZerezoFilms AI Studio, nuestra línea de producción audiovisual con IA, la misma con la que hicimos el comercial de Zerezo Bites y el spot de Zerezo Coffee. Todas las entregas de este diario viven en la portada de Heartbreakers.